Artistas y obras

Sofonisba Anguissola

Esta pintora italiana nació en Cremona (la Italia actual), hacia 1532 y murió en Palermo en 1625. Fue la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento y una de las artistas más longevas.
Perteniciente a una de las familias más nobles de la ciudad donde nació, empezó sus estudios junto a Bernardino Campi, y con Bernardino Gatti a partir de 1549. 
Cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, pero Sofonisba fue, de lejos, la que mejor lo consiguió y más renombrada. Su hermana Elena se hizo monja (Sofonisba le pintó un retrato) y tuvo que dejar de pintar. Sus hermanas, Ana María y Europa lo dejaron al contraer matrimonio, mientras que Lucía, la mejor pintora de las hermanas, murió joven. La otra hermana, Minerva, se hizo latinista y escritora. Su hermano Asdrúbal estudió música y Latín, pero no pintaba. Además, su aristocrático padre se aseguró de que, tanto Sofonisba como sus hermanas recibieran una buena educación en la que estaban incluidas las bellas artes.
Desde bien temprano Sofonisba realizó retratos con una representación informal, en la que muchos de sus modelos aparecían en tareas del ámbito doméstico y en situaciones que permitía descubrir sus gustos como por ejemplo autorretratos en los que aparecía tocando algún instrumento, pintando... De sus maestros, Campi y Gatti se demuestra la influencia que ejercieron sobre ella. La actividades realizadas en su ciudad se centran en obras religiosas.
En cuanto a su vida personal, se casó en  1571 con Fabrizio de Moncada. Posteriormente tras la muerte de su esposo volvió a contraer nupcias con Orazio Lomellino, recibiendo en 1624 la visita de Van Dyck, quién la retrato.

SU OBRA

En 1554, a la edad de 22 años, esta pintora viaja a Roma, donde conoce al famoso Miguel Ángel por mediación de otros pintores que conocían bien su obra. Cuando éste le pidió que pintara un niño llorando, Sofonisba dibujó un niño mordido por un cangrejo, y cuando Miguel Ángel lo vio, reconoció su talento de inmediato.



Durante más o menos, 2 años, la pintora siguió con este estudio "informal", recibiendo una sólida orientación del gran Miguel Ángel.

A pesar de ello, Sofonisba no lo tuvo tan fácil, ya que, a pesar de que contó con apoyo y coraje, mucho más que el resto de mujeres de su época, su clase social no le permitía ir más allá de los límites impuestos para su sexo. No tuvo la posibilidad de dibujar el natural o estudiar anatomía, porque era considerado como inaceptable para una señora que viera cuerpos desnudos. 
La pintora buscó las posibilidades para un nuevo estilo de retratos con personajes con poses informales. Los protagonistas más frecuentes de sus obras eran los miembros de su familia y su propio rostro, como podemos observar en estas obras:


Autorretrato (1554: se encuentra en el Kunsthistorisches Museum, de Viena):



El juego de ajedrez (1555, se encuentra en el Museo Narodowe, en Poznan). Aquí pinta a sus hermanas Lucía, Minerva y Europa:



El Retrato de Amílcar, Minerva y Asdrúbal Anguissola (1557-1558: Nivaagaards Malerisambling, Niva, en Dinamarca):




Cuando ya era conocida, Sofonisba se instaló en Milán hacia 1558, donde pudo pintar al Duque de Alba, quien, a su vez, la recomendó al rey Felipe II de España.

Retrato del rey Felipe II de España (1564, actualmente en el Museo del Prado, Madrid):



En 1559-1560, la pintora llega a Madrid como pintora de la corte, además de dama de compañía de la reina Isabel de Valois. Durante ese tiempo, se aproximó al estilo de Alonso Sánchez Coello al trabajar estrechamente con él.
Anguissola pasó los años siguientes pintando especialmente retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y otros miembros de la familia real: la hermana de Felipe II, Juana, y su hijo Don Carlos. Sus pinturas de Isabel de Valois y de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II estan llenas de vida.

Un total de 50 obras han sido atribuidas con seguridad a Sofonisba. Sus cuadros pueden verse en las galerías de Bérgamo, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Milán (Pinacoteca de Brera), Nápoles, Siena y Florencia (Galería Uffizi).

En este vídeo podemos ver gran parte de sus obras:

Artemisia Gentileschi

Artemisia Lomi Gentileschi nació en Roma el 8 de julio de 1593, y murió en Nápoles en 1654. Fue una pintora caravaggista italiana, cuyo padre era el pintor toscano Orazio Gentileschi, del cual tomó el limpio rigor del dibujo, inculcándole una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio.
Artemisia fue introducida en el mundo de la pintura en el taller de su padre, y mostró más talento que el resto de sus hermanos. Aprendió dibujo, cómo empastar colores y dar brillantez a los cuadros. Los primeros pasos artísticos de la pintora fueron próximos a los de su padre, pero más adelante su aproximación a los temas era diferente de la de éste.

Artemisia Gentileschi está considerada como una de los primeros pintores barrocos, de los más completos de su generación, imponiéndose por su arte en una época en la que las mujeres pintoras no eran aceptadas fácilmente. Pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino.

Firmó su primera obra a los 17 años: Susana y los viejos (1610). Actualmente se encuentra en Pommersfelden (Alemania):



Este cuadro muestra cómo Artemisia había asimilado el realismo de Caravaggio sin permanecer indiferente al lenguaje de la escuela de Bolonia.
A los 19 años su padre le dio un preceptor privado: Agostino Tassi, ya que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino.
Desgraciadamente, Tassi violó a Artemisia en 1612. Éste le prometió casarse con ella para salvar su reputación, pero luego renegó de su promesa, ya que estaba casado con otra, y entonces Orazio lo denunció ante el tribunal papal. La instrucción duró 7 meses y permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y había querido robar algunas pinturas de Orazio Gentileschi. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico, y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos. Con esto se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones. Más tarde, Tassi fue condenado a 1 año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Además, las actas del proceso han influido en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo XX a Artemisia Gentileschi.
La pintura "Giuditta che decapita Oloferne" (Judith decapitando a Holofernes), de 1612/1613, se encuentra en la Galleria degli Uffizi de Florencia:



Esta pintura impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella sufrió. Es considerada como su obra maestra.

Un mes más tarde del juicio, la pintora se casó con un pintor florentino, llamado Pierantonio Stiattesi. Fue un matrimonio arreglado por su padre, que sirvió para restituirle a Artemisia un estatus de suficiente honorabilidad, ya que había sido violada, engañada y denigrada por Tassi.

De estos comienzos romanos data también la "Madonna col Bambino" (Virgen con el niño). Se encuentra actualmente en la Galería Spada:



Artemisia y su reciente marido, se instalaron en Florencia en 1614, donde ésta disfrutó de un gran éxito. Fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo) de Florencia.

Entre sus admiradores, destaca Buonarroti el joven (sobrino del impecable Miguel Ángel): empeñado en construir la Casa Buonarroti, encargó a Artemisia la realización de una tela destinada a decorar el techo de la galería de pinturas:



Esta pintura representa una Allegoria dell'Inclinazione (alegoría del "talento natural"), representada en forma de una joven mujer desnuda que sostiene una brújula. Se piensa que esta figura femenina tan atractiva tenía los rasgos de Artemisia, que fue una mujer de gran atractivo según las informaciones mundanas de la época.

Durante este periodo, la artista también pintó "La Conversione della Maddalena" (La conversión de la Magdalena), que actualmente se encuentra en el Palacio Pitti:



y "Giuditta con la sua ancella" (Judith y su doncella). También se encuentra en el Palacio Pitti:



Años depués, en Nápoles, Artemisia por primera vez empezó a trabajar en cuadros para una catedral, dedicados a San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli (San Jenaro en el anfiteatro de Pozzuoli). Actualmente se encuentra en Pozzuoli:



Durante su primer período napolitano, pintó Nascita di San Giovanni Battista (Nacimiento de San Juan Bautista), que se conserva en el Museo del Prado de Madrid:



Y también Corisca e il satiro (Corisca y el sátiro), en una colección privada:



En estas pinturas, Artemisia demuestra su capacidad de renovarse según los gustos artísticos de su tiempo y manejar diferentes temas, en lugar de las ususales Judith, Susana, Betsabé y Magdalena penitente, por las que ya era conocida.

Desgraciadamente, después de su muerte, Artemisia fue prácticamente olvidada.

Aquí dejamos un vídeo sobre algunas obras de esta gran pintora:

Elisabetta Sirani




Nació en Bolonia en 1638 y aprendió a pintar de la mano de su padre Giovanni Sirani, fiel serguidor de Guino Reni. En un primer momento no quería que su hija se convirtiese en pintora aunque gracias a Carlo Cesare Malvasia, quién después sería su biógrafo, comenzó como pintora en 1650.

La actividad de Elisabetta comenzó cuando tenía 19 años y poco después se encargo de manejar el taller de su padre cuando este ya no pudo hacerlo. La pintura le permitió a Elisabetta mantener a sus padres y hermanos.
La virtuosidad con la que trabajaba hizo que su taller recibiera la vista de todo tipo de enamorados de la pintura de toda Europa. Debido a las dudas que se generaron acerca de la rapidez con la que realizaba sus obras, decidió convocar el 16 de mayo de 1664 a todos los incrédulos para que visualizasen ellos mismos sus dotes.

Pero no solo desarrollo sus capacidades en el mundo de la pintura, también se involucró en la música y poesía. Sus obras se desarrollaban alrededor de temas históricos y religiosos. Se podría destacar como un claro ejemplo su obra histórica "Porcia hiriéndose el muslo" (1664), en la que se representa a la esposa de Brutus intentando demostrarle que es digna de confianza, hiriéndose el muslo con la intención de demostrar su valentía. Esta fue una escena de Julio César contada por Shakespeare.
En cuanto a la temática religiosa tuvo una buena imagen en la Iglesia, haciendole varios encargos como "El Bautismo de Cristo" para la iglesia de Certosini.

El mundo de la nobleza también se interesó por su trabajo teniendo como clientes al Gran Duque Cosimo III de Medici, el Principe Leopoldo de la Toscana al cual retrató en 1644 y al Principe Heredero de la Toscana quién le encargó una virgen.

En cuanto al estilo de su pintura se encuentran diferencias con sus dibujos a lápiz y tinta, teniendo fuertes contrastes de luz y sombra. En relación con la escuela clásica boloñesa, en su pintura consigue suavizar los contrastes con sombras tostadas. Su composición es simple y de pincelada rápida, llegando a ser considerada su pintura de estilo decorativo. Sin embargo también se notó las dificultades que presentaba en sus dibujos anatómicos posiblemente por no poder represantar desnudos con modelos vivos.

Esta artista tuvo una muerte temprana a causa de unas úlceras perforadas en el estómago. Se cree que fue la presión que tenía respecto a su trabajo la que provocara la causa de su enfermedad. Su padre creyó antes de saber lo que tenía, que fue envenenada por una mucama celosa, quien después de un juicio fue absuelta.
Su funeral fue realizado con honores con un catafalco representando el Templo de la Fama en el que se encontraba una estatua en tamaño natural de la artista.

A pesar de tener una carrera de una década y tener una producción de casi 200 obras, Elisabetta no sólo dejo sus obras, también fundó una Escuela de Arte para mujeres con 14 años, de donde surgieron pintoras entre las que estaban sus hermanas Anna María y Bárbara.

De entre sus obras encontramos:


Retrato de Beatrice Cenci realizado en 1662 y se encuentra en Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma.



Autorretato realizado en 1658. Actualmente se encuentra en el Museo Pushkin en Moscú.

Esta obra es un tipo de retrato ideal, una pintura que consigue la conciencia y orgullo de sus capacidades.





Porcia hiriéndose la pierna, 1664. Actualmente se encuentra en la Fundación Miles en Houston EE.UU.

En esta obra se muestra a Porcia, con una herida en su muslo demostrando su valentía y coraje. Lo que Sirani pretende representar es la imagen de una mujer fuerte teniendo poco que ver con la imagen del fondo donde salen amas de casa o costureras, haciendo referencia al papel de la mujer en aquella época.





Timoclea matando, 1659. Actualmente se encuentra en el Museo de Capodimonte en Nápoles.

En esta se representa un tema mitológico, a Timoclea tirando a un pozo a Alejandro Magno por haberla violado. Sin duda en la pintura la autora pretende ensalzar la fuerza de Timoclea, valorando la castidad que se le daba a las mujeres en aquella época.





Virgen y el Niño, 1663. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Mujeres en las Artes, en Washington.



Virgen con el Niño y San Juan

Estas dos obras reflejan la dulzura como el rasgo común en la maternidad.


Por último, os dejamos este vídeo:

Ginevra Cantofoli



Nació en Bolonia en 1618 y fue en esta misma ciudad donde murió en 1672. Fue una pintora de imágenes religiosas y alegóricas. Se casó y tuvo dos hijos.

Estudió en la Academia de Diseño de Elisabetta Sirani trabajando después en su taller. En lo que respecta a su obra se centra en dos temáticas: la religiosa y la alegórica/mitológica. En su ciudad pintó varios retablos entre los que se encuentran "La última cena" que se encuentra en la iglesia de San Prócolo, un "Santo Tomás de Villanueva" que se encuentra en la basílica de San Giacomo Maggiore, una "Virgen con el rosario" en la iglesia de San Lorenzo y una de Santa Apolina. 
Ginevra pintaba en miniatura y las protagonistas eran sobre todo figuras femeninas. 

Con respecto a su producción fue muy rica, pero muchas de sus obras fueron desapareciendo.


Algunas de sus obras fueron: 

• Alegorías

 Alegoría a la vanidad

  
Alegoría de la pintura




Escena alegórica

• Retratos

Cleopatra



Ninfa marina

• Autorretratros

Alegoría de la pintura, 1660. Actualmente en la Pinacoteca di Brera.

Autorretrato Ginevra Cantofoli, 1600. Actualmente en la Galleria Nazionale D'arte Antica.


Por último os dejamos con este vídeo:

Caterina van Hemessen

Nació en Amberes, Bélgica en 1528. Fue la primera pintora flamenca que dejó una producción en la que se puede demostrar su autoría. Era hija del reconocido pintor manierista Jan Sanders van Hemessen. Murió de causas naturales en 1587 en Amberes.

Caterina se casó en 1554 con Chrétien de Morien, un organista de la Catedral de Amberes. Tras casarse, como era normal en la época, dejó de pintar con tan solo 26 años, ya que no se han encontrado ninguna obra después. Dos años después Caterina y su marido viajaron con la reina María a España tras renunciar esta a la regencia de los Países Bajos. Tras la muerte de María de Hungría tal era el cariño que sentía hacia su talento que decidió asignar a la pareja una pensión muy grande para que llevasen una vida cómoda.

Trabajo en su corte realizando retratos en miniatura de cortesanos, además de realizar obras de temática religiosa.

En cuanto a su obra, existen 10 trabajos firmados y con fecha por el artista, entre los que se encuentran seis retratos, un autorretrato y pinturas religiosas cuyo tema son hechos históricos con escenas en las que se muestran grandes grupos de figuras.

Las obras se encuentran en la National Gallery de Londres y en Rijksmuseum de Ámsterdam, y su autorretrato que se encuentra en el Öffentliche Kunstsammlung de Basilea, Suiza. Por otro lado, se le atribuyen también nueve pinturas de la parte central y la predella del Retablo de Tendilla, en el Monasterio Jerónimo de Santa Ana y desapareció en 1845. En 1915, apareció en Londres y fue adquirido por el Cincinatti Art Museum (EE.UU). Tras analizar las pinturas se dedujo que habían sido pintadas por cuatro pintores del taller de Jan van Hemessen.

Sus pinturas se caracterizan por el realismo; las personas que eran retratadas posan habitualmente contra un fondo oscuro sin observar al espectador. Una curiosidad fue que se cree que sus obras "Retrato de una dama" y "Retrato de un hombre" podían ser retratos de ella y su marido.

En su autorretrato aparece en el momento previo a comenzar a pintar y sostiene sus elementos de trabajo. Fue una pionera en la realización de este tipo de autorretrato.

Algunas de sus obras eran:

Retrato de una señora, 1551. Actualmente se encuentra en National Gallery, Londres.

Retrato de una dama, alrededor de 1551. Actualmente en el Museo Bowes.

Mujer joven que juega a los Virginals, 1548. Actualmente en Colonia, Wallraf-Richartz Museum.

Cristo se encuentra con Verónica, 1541-1560

Un vídeo muy interesante acerca de esta pintora:

Fede Galizia

Fede Gallizi, mejor conocida como Galizia, nació en 1578 en Milán y murió en 1630. Se dice que cuando tenía más o menos 12 años ya era suficientemente considerada artista como para ser mencionada por Giovanni Paolo Lomazzo, pintor y teórico del arte amigo de su padre.

Cuando Fede ya estaba preparada y establecida como pintora de retratos, comenzó a recibir varios encargos. Tuvo tendencia al detalle en sus pinturas, posiblemente por influencia de su padre como miniaturista. También se dedicó a la pintura profana y religiosa, como por ejemplo varias versiones de Judith y Holofernes como la del Museo de Ringling, en Florida:

También pintó miniaturas y retablos para conventos.

El estilo de sus retratos deriva de las tradiciones naturalísticas del Renacimiento italiano, con una aproxmación muy realística. Por ejemplo, en el estilo de retrato de Fede Galizia resulta muy evidente en su Retrato de Paolo Morgia:

La artista también recibió varios encargos públicos para iglesias, como por ejemplo el retablo que pintó para el altar de Santa María Magdalena en Milán (1616).

Otra de las obras más importantes de Fede Galizia fue "A Glass Compote With Peaches":

Los bodegones de Galizia están entre los primeros ejemplos de pintura en un género en el que una mujer, en parte por estar excluida de otros tipos de obras, alcanzó la excelencia.

Sus bodegones son extremadamente detallados y muy diferentes de los trabajos de su padre: usó colores más vibrantes y detallados. Casi todos sus trabajos de este género incluyen bandejas de frutas, con un tratamiento bien proporcionado que por lo general muestran un mismo tipo de fruta en una canasta o bandeja, con unas pocas caídas alrededor. Algunas incluyen flores frescas u otras especies como forma de marcar un contraste relevante de forma y color, por ejemplo en su Bodegón con duraznos y una porcelana y un cuenco:

Aquí os dejamos este vídeo:

Levina Teerlinc

Lavinia nació en Bruges em 1520 y muere en 1576. 

Fue una pintora miniaturista  de la que existía una amplia documentación, sin embargo no encontramos miniaturas firmadas por ella. Se trata de Levina Teerline que nació en Bruges. La fecha de su nacimiento no se sabe concretamente, pero se calcula que en entorno a 1510-1520.

Su origen venía ligado a una familia de artistas ya que su padre y su abuelo fueron miniaturistas y su hermana marcharte de arte. De su padre se puede decir que fue un artista flamenco llamado Simon Bening quién consiguió inculcar los primeros conocimientos de esto.

Levina quién se casó con George Teerline de Blankenberge fue seleccionada por el rey Enrique VIII en 1545 para trabajar en la corte. Desempeñó su labor de pintora de la corte hasta la muerte del rey y contínuo durante los tres siguientes reinados, Eduardo VI, el de María I y el de Isabel  I. 

Uno de los datos que se conocía era que Levina enseñaba cada día de Año Nuevo un retrato de Isabel I, hija de Enrique VIII y Ana Bolena.

Las pinturas eran realizadas en miniaturas en primer momento de forma cuadrada hasta que en 1569 retrató a un hombre en una forma ovalada. Un dato curioso de esta pintura era que en los trabajos que realizaba escribía palabras alrededor del borde de sus miniaturas y que algunas miniaturas mostraban grupos de personas cosa que era bastante rara. 

Su trabajo era muy bien pagado. Se decía que Enrique VIII le daba 40 libras al año, otros dicen que 60, cosa que en cualquier caso era un sueldo muy bueno para la época.

Levinia murió en Londres el 23 de junio de 1576.

Algunas de sus obras:

Retrato de Lady Katherine gris, 1555-60. Actualmente se encuentra en el Victoria and Albert Museum.

Un isabelino Santo, 1560.

Es uno de los muchos retratos que Levine realizó a la reina.

Retrato de María Dudlev, Lady Sidney, 1586. Actualmenten se encuentra en el Victoria and Albert Museum.

Aquí os dejamos este enlace de información:

https://gynarte.wikispaces.com/Levina+Teerlinc+1510(20)-1576